En juin, je me suis entretenu avec Konstantinos Pantazis et Marianna Rentzou, membres fondateurs du bureau athénien Point Supreme Architects.

Christophe Catsaros: Une première question concerne la spécificité formelle de votre production qui est très graphique, et très publiée. Un soin tout particulier semble avoir été apporté aux rendus. Le choix des couleurs dans certains visuels de vos projets évoque l’univers de quelqu’un comme David Hockney.

Point Supreme Architects: Le contexte athénien explique en partie ces choix formels. Nous avons fait nos études dans cette ville chaotique, sans hiérarchie, où la forme fait défaut. On l’appelle souvent “la soupe de béton”. Notre façon de représenter émane tout d’abord d’une volonté de réagir à cette situation. Très tôt, en tant que jeunes architectes nous avons cherché à sublimer cette situation, hiérarchiser les choses, créer des repères.
Comme les moyens sont limités et que cela peut se faire difficilement par un travail sur les formes, nous avons rapidement opté pour la couleur. La dimension picturale de nos travaux est aussi une façon assez efficace pour transmettre ce que nous envisageons. La couleur fonctionne comme un palliatif à ce que nous ne pouvions pas faire, faute de moyens, en travaillant sur les volumes, mais aussi comme un outil sémiologique. Ce n’est pas un choix en soi, plutôt une façon de renforcer l’identité de notre architecture.

CC: Vos propositions se distinguent par une certaine radicalité, qui entre en dialogue avec le caractère cru et brut du contexte athénien. Par exemple, votre proposition pour une jetée dans la baie de Phalère était éminemment radicale, en conflit avec une conception d’intégration dans le paysage.

PSA: Le choix de la radicalité est fondamental pour nous. Nous cherchons à travailler dans le monde tel qu’il est. Nous essayons de faire en sorte que nos projets répondent à la réalité, ne pas travailler dans des îlots séparés du réel. Nous ne cherchons pas à faire du design. Jamais d’idéalisation du contexte pour commencer. C’est cette approche réaliste que nous essayons de traduire dans nos propositions. Pas de simplifications, pas d’idéalisation. Pas d’abstraction non plus dans les images que nous produisons. Dans les années 1980, les Hollandais appelaient cette tendance « dirty realism ».

CC: C’était aussi le thème de l’exposition au pavillon grec de la biennale de Venise en 2002: «absolute realism».

PSA: En effet, il y a plusieurs projets qui allaient dans ce sens à l’époque. C’est un point de départ pour nous. Ce qui allait en découler plus tard est tout autre chose. Prenons l’exemple de la jetée du Phalère, que tu as mentionnée. Nous cherchons à travailler sur une base programmatique, dans une conception koolhaassienne. Ce qui détermine en dernière instance nos propositions, ce n’est ni la forme, ni l’esthétique, mais plutôt le fonctionnement, l’activation d’un dispositif. La jetée était un dispositif essentiellement programmatique. Le projet définissait de façon très précise un mode opératoire, et tout devait découler de ce programme. L’apparence très visible, presque sémiologique, de la jetée découle de sa fonction : une jetée est aussi un repère de navigation, qui se doit d’être visible. Il n’y a rien d’ornemental dans ce choix.

CC: L’identité de votre bureau est en grande partie reliée à la ville dans laquelle vous exercez. Comment définiriez-vous la situation à Athènes, eu égard à la gentrification du centre-ville et la crise qui a quelque peu freiné cette tendance ?

PSA: La gentrification d’Athènes est une question complexe. Tout d’abord parce que le modèle de ce type de spéculation ne convient pas à la réalité athénienne. La gentrification opère par îlots, par portions oubliées, puis ressuscitées. Or, Athènes est trop homogène. Il me semble que la ville dans son intégralité se prête à un potentiel de développement de ce type.
Certes, le centre-ville est aujourd’hui vide. Exception faite des devantures occupées par des commerçants, les étages de bureaux sont vides. Il y a bien évidemment des quartiers comme Gazi ou Metaksourgeio où l’on peut observer des phénomènes de gentrification.
Mais je ne pense pas qu’Athènes risque vraiment de devenir, comme d’autres capitales, une ville gentrifiée. Il y a beaucoup trop d’espace disponible pour qu’une telle dynamique spéculative puisse prendre pied.
Par contre, ce qui fonctionne à Athènes, c’est Airbnb. D’autres villes touristiques comme Venise subissent de plein fouet les conséquences de ce phénomène. Les habitants laissent leur appartement aux visiteurs. On commence à voir dans certains quartiers comme celui de Petralona, des phénomènes similaires, ou les propriétaires préfèrent louer sur Airbnb plutôt qu’à des résidents permanents.
Il existe plusieurs quartiers d’Athènes qui n’ont plus de résidents, comme Plaka par exemple. Cela veut dire que des pans entiers de la ville deviennent de gigantesques hôtels diffus dans le tissu urbain.
Il existe des entreprises qui se chargent de louer votre bien sur Airbnb, qui le rénovent et l’exploitent pour vous. Une de ces entreprises gère plus de 120 appartements. En taille, cela représente un grand hôtel. Sans parler des bénéfices de cette activité, eu égard à la fiscalité très avantageuse.

PSA: Malgré cela, le secteur de l’hôtellerie est florissant à Athènes. Plusieurs nouveaux projets le démontrent.
C’est vrai. C’est nouveau car Athènes n’a jamais été une destination. Elle est en train de le devenir. C’était le passage obligé pour aller dans les îles. Cela est en train de changer. Aujourd’hui de plus en plus de gens viennent à Athènes pour y passer quelques jours.

CC: Etre jeune architecte à Athènes en 2017 ?

PSA: C’est difficile. Ces huit dernières années, l’activité s’est terriblement réduite. Les quelques bureaux qui ont survécu, qui n’ont pas mis la clé sous la porte, ont développé des approches plus expérimentales, plus prospectives, plus sensibles au contexte social aussi.
Ces derniers temps, les choses semblent repartir, essentiellement pour des projets liés à l’industrie du tourisme. Les investisseurs prennent moins de risques qu’avant la crise, avec des projets plus retenus. Il y a un sens de l’économie et de la modération.

CC: La crise a-t-elle suscité un nouvel éthos ? Est-ce réaliste de commencer une pratique architecturale aujourd’hui à Athènes ?

PSA: Pas vraiment. La génération qui vient après la nôtre est vraiment perdue. Nous plaignons les jeunes architectes qui cherchent aujourd’hui du travail. On n’en peut plus de refuser des diplômés qui nous proposent de travailler sans rémunération. C’est terrible de ne pas avoir l’espoir de pouvoir vivre de votre métier. S’enrichir de son travail n’est plus à l’ordre du jour, et même en survivre, aujourd’hui, devient difficile.

CC: Concernant votre proposition sur la place Kotzia à Athènes, de quoi s’agit t-il ?

PSA: C’est une proposition inspirée de la crise. C’est une intervention low cost. Sur une place très minérale, au-dessus d’un parking souterrain face à l’Hôtel de Ville, une place impraticable eu égard à l’été grec, nous avons proposé une extrême végétalisation : de la pelouse et des arrosoirs agricoles pour rafraîchir les passants.

CC: La pelouse à cet endroit va dans le sens d’une certaine artificialité ? C’est une proposition à certains égards ironique ?

PSA: C’est une hétérotopie. On transpose au cœur de la ville une portion de territoire venue de l’extérieur. On transpose un champ de la Béotie voisine sur une place athénienne. C’est ironique et radical, mais c’est aussi une façon de signaler que la ville n’a pas besoin d’être à ce point recouverte de bitume et de béton. La place Kotzia, sans arbres et sans ombre, est un cas extrême de dysfonctionnement tellement elle est invivable pendant les mois chauds.

CC: Vous travaillez en binôme ?
PSA: Notre collaboration est facile. Nous sommes absolument complémentaires, l’un plus rigoureux, l’autre plus impulsif.

Ceux qui ont fréquenté la place de la République à Paris pendant Nuit Debout, seraient surpris aujourd’hui de l’absence de toute forme d’activité résiduelle de cet incroyable surgissement d’appétit démocratique.
Le ministère de l’Intérieur et la municipalité d’Anne Hidalgo, après avoir violemment mis fin aux réunions nocturnes et pacifiques ont fait en sorte qu’aucune forme de parole ne puisse s’installer durablement là où s’étaient tenus les débats.

En lieu et place du parlement improvisé, la décision a été prise de laisser une chaîne de magasins branchés financer la création d’un skate park. Si la chose est rare pour une place historique de centre-ville, ce qui surprend surtout c’est le choix de l’emplacement. Le skate parc  empêche en effet le fonctionnement d’autres équipements pérennes comme la ludothèque, pourtant plébiscité par les usagers de tout âge.

Le bruit urbain et assourdissant des planches à roulettes exclut toute tentative de discuter à plus de trois personnes. Comme une espèce animale qu’on introduirait dans un écosystème pour en chasser une autre, les jeunes skateurs exhibent avec insouciance leurs figures spectaculaires, inconscients du fait qu’ils prennent part à un acte de censure.

Cette censure passive s’accompagne d’une autre transformation, moins contestable mais tout aussi furtive: l’installation d’un dispositif anti voiture bélier, décidé et mis en œuvre dans la plus grande discrétion. Dissimulé sous la forme de bancs en madrier, ce dispositif périmétrique bloque l’accès des véhicules à la place.
S’il est camouflé, c’est probablement pour ne pas alarmer la population et éviter les effets de bunkerisation de l’espace public qu’ont connu d’autres villes en prise avec le terrorisme, comme Beyrouth, le Caire ou Karachi. Paris se barricade, mais préfère rendre furtifs ces aménagements pour ne pas perdre son attrait touristique.

Au dire de plusieurs architectes qui travaillent actuellement sur des grands projets de places parisiennes, le dispositif anti voiture bélier est devenu quasi obligatoire pour tout nouvel aménagement. Autant dire que la fin de la terreur n’est pas pour demain.

Les organisateurs de la 14e documenta devaient bien s’attendre à des réactions en prenant la décision  de délocaliser à Athènes, pendant une partie de sa durée, la grande exposition d’art contemporain à teneur critique et politique, organisée à Kassel tous les cinq ans depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale.
Réactions à Kassel tout d’abord, de la part de ceux qui pensent la documenta comme la cash cow de la petite ville du Land de Hesse. Réactions à Athènes de ceux qui dénoncent un acte de domination culturelle.
La Grèce vit mal la tutelle budgétaire germanique et réagit viscéralement à tout ce qui ressemble de près ou de loin à une « leçon allemande ». Créée en 1955 pour rééduquer culturellement le peuple allemand après douze ans d’abrutissement nazi, la documenta serait-elle exportée pour donner aussi une leçon aux Grecs ?
Sans surprise, l’arrivée de la documenta a laissé indifférente une bonne partie des médias grecs. Elle a même suscité, dans certains milieux artistiques revendicatifs, des réactions relevant autant de l’esprit de contradiction que d’une véritable critique structurée. Une « contre-biennale » se tient parallèlement sur le thème « En attendant les Barbares ». Dans l’optique de ses concepteurs, l’Allemagne ferait preuve de néocolonialisme en parachutant un dispositif prestigieux, mais hors contexte, dans une ville exsangue et, à certains égards, humiliée. Paradoxalement, la question des « colonialismes culturels » est à ce point au cœur de la documenta que l’on pourrait considérer la contre-biennale comme un side event de cette dernière.

A Athènes comme à Kassel, la documenta est disséminée sur une dizaine de sites. Le principal lieu d’accueil de l’événement n’est autre que le musée d’art contemporain, dans une ancienne usine de l’architecte Zenetos défigurée par une restauration douteuse, inauguré mais jamais vraiment ouvert au public, faute de moyens.

La critique adressée par le collectif récalcitrant Heart & Sword Division aurait peut-être une part de légitimité si la documenta n’était pas ce qu’elle est : une manifestation ouverte, plus mondiale qu’allemande, authentiquement critique, qui n’a pas attendu son escapade athénienne pour être absolument déterritorialisée. Le contexte athénien ne fait qu’intensifier des dispositions qui faisaient déjà partie de l’identité de l’événement quinquennal, depuis sa création.
Le fait est que la grande métropole méditerranéenne, touchée à la fois par un poison et son remède, c’est-à-dire le dogme néolibéral de l’enrichissement facile et l’austérité budgétaire censée y pallier, constitue un bon terreau pour l’exposition et ses aspirations politiques et critiques.
La dimension politique des questions de genre, aujourd’hui tout à fait redondantes dans le contexte tolérant et émancipé du nord de l’Europe, revêt ici, dans le sud aux relents parfois homophobes, sa véritable dimension revendicative et iconoclaste.
La pièce The greek way mettant en scène les célèbres portraits d’Hitler en chevalier teutonique sur lesquels sont griffonnés des noms d’homosexuels exterminés par le régime, n’a pas manqué de provoquer des réactions !
Ce n’est pas un hasard non plus si l’un des 14 co-commissaires, Paul Preciado, qui fut Beatriz il y a encore quelques années, y vit depuis deux ans. Athènes est une ville en tractations, où les jeux ne sont pas faits et les situations sont encore réversibles.

Gentrification suspendue

L’exemple le plus flagrant de cette fluidité n’est autre que le centre-ville, engagé fermement sur la voie de la gentrification au début des années 2000 et que la crise de 2008 a plongé dans un état inédit pour une capitale occidentale. Une gentrification figée où quelques lofts luxueux côtoient des squats d’artistes et des dortoirs de migrants.
Le centre a gardé sa vitalité, les migrants y ont trouvé aussi leur place et la gentrification s’est tout simplement arrêtée au moment où allait commencer la purge. Celle qu’ont connu le Soho londonien ou le Marais parisien et tous ces quartiers créatifs qui après un bref moment d’euphorie se transforment en ghettos pour riches.

A Athènes, les spéculateurs immobiliers n’ont pas eu gain de cause. Le résultat est une ville foisonnante, à l’économie anémique mais ouverte au changement et à la contestation comme aucune autre métropole européenne. Une des pièces produites pour cette session n’est autre qu’un bâtiment vide abandonné, acheté par la documenta pour être maintenu sans limitation de durée dans son état actuel. Monument durable d’un présent passager, l’immeuble de Maria Eichhorn  ne doit accueillir rien de plus que ce qu’il contient déjà : le vide.

Au regard de tout cela, la documenta pouvait elle faire autre chose que de venir à Athènes ? C’est à ce point que l’on réalise peut-être que le partage de la documenta n’est pas seulement un don des Allemands aux Grecs, mais aussi un souffle de vitalité des Balkans au nord de l’Europe, avide de situations critiques et d’enjeux ouverts. Adam Szymczyk, le directeur artistique de la documenta,  donne plusieurs clés pour comprendre l’esprit dans lequel s’est fait ce partage : il s’agit pour lui d’établir un rapport symétrique entre deux pôles engagés de fait dans un rapport asymétrique.
Les deux chapitres de la 14e édition proposent aux artistes de travailler soit sur des diptyques, soit de reconduire les mêmes travaux à Kassel et Athènes. Cela veut aussi dire que personne ne peut vraiment juger cette documenta avant l’ouverture de l’événement à Kassel, prévue en juin.

L’art contemporain, en quête de sang nouveau, oscillant entre l’insignifiance du «tout a été dit» et de la fièvre spéculative, trouve au Sud les indicateurs de l’époque qui est la nôtre. Athènes, plus balkanique que jamais, est ce laboratoire culturel et social qui permet de faire émerger des positions et des propos restituant les déséquilibres qui constituent notre actualité. La leçon d’Athènes, sous-titre de cette documenta, est celle d’une ville qui persiste malgré l’effondrement des instances qui la faisaient tourner. Leçon d’une ville confrontée à une sévère décroissance, qui s’avère finalement résiliente.

Si l’échec du modèle néolibéral dans cette partie de l’Europe n’a pas débouché sur la chose attendue, à savoir l’avènement d’une voie alternative durable, elle aura au moins permis à certaines forces et certains acteurs de continuer d’agir, et de contribuer ainsi à l’effervescence politique de la ville. La documenta ne pouvait que faire sienne une telle situation.

La 14e Documenta se tient du 8 avril au 17 juillet à Athènes et du 10 juin au 17 septembre à Kassel. 

Si le centenaire de la révolution d’octobre reste un sujet polémique en Russie, la position officielle oscillant entre la célébration d’un événement d’envergure mondiale et le rejet des idéaux insurrectionnels qu’il incarne, il n’aura pas manqué de donner lieu à une des plus belles expositions présentées en suisse romande ces cinq dernières années.

« L’utopie au quotidien » au Musée des Beaux-Arts de La Chaux-de-Fonds, est tout à la fois une exposition d’objets, de documents et d’idées. Le design d’objets y côtoie la photographie, le graphisme et la création littéraire et intellectuelle grâce à toute une série d’extraits visant à reconstituer autant que cela se peut, l’imaginaire de la vie courante en Union Soviétique. Allant bien au delà du cliché d’une société noyée dans la propagande collectiviste, le projet révèle les subtilités d’une culture qui entretenait un rapport particulier aux biens de consommation. A la fois vénérée et négligée, la marchandise est la clé de voute furtive de l’édifice soviétique, son véritable talon d’Achille aussi. Tout en privilégiant, sur un plan théorique, la valeur d’usage sur la propriété, L’Etat soviétique doit faire face à un fétichisme de fait, très différent de celui qu’attise la publicité en Occident. Là, c’est la rareté de certains produits, et l’écrasante uniformité des biens disponibles, qui rend la marchandise désirable.

La société soviétique envie l’occident pour l’image d’abondance qu’elle lui renvoie. Cela ne l’empêche pas d’être fière de ses propres achèvements en matière de production et d’équipement de la vie quotidienne. Toute proportion gardée, en URSS comme en occident, les années 60 seront une période d’abondance et de progrès.
Les moscovites se pressent au pavillon américain de l’exposition universelle de 1964. Ils admirent l’incroyable étalement de biens, sans ignorer que, contrairement à ce qui prévaut en URSS, l’accès à la marchandise dans le monde capitaliste reste inégalitaire et sujet à la grande disparité des revenus.
En URSS, le frigidaire, le verre, la pantoufle et le slip relèvent d’un service d’Etat, d’un plan quinquennal et d’une production centralisé. On s’inscrit sur une liste et on attend son tour pour être livré. Il est évident qu’un tel système encourage d’autres formes de privilèges, d’autres dérives aussi. Chaque secteur a ses petits avantages en nature, qu’il peut monnayer contre ceux d’un autre secteur. On se fait pistonner pour avoir une télé, on vend en semi illégalité, dans des réunions de type Tupperware, le surplus de biens auquel notre position nous donne accès.

L’idéologie de l’objet

Au delà de ces grandes lignes, l’exposition a le mérite de révéler ce que le rapport aux biens de consommation peut avoir d’idéologique, c’est à dire d’un acte conceptuel visant à comblé l’écart entre la condition réel et la condition souhaitée. Il y a ce qu’une voiture vous permet effectivement de faire, et ce qu’elle vous permet d’imaginer pouvoir faire : l’écart entre les deux, c’est l’idéologie.
Les objets soviétiques portent souvent des indices d’aspirations collectivistes à un monde nouveau, juste et égalitaire. Sans doute que la facilité que nous avons aujourd’hui à discerner le substrat idéologique des objets en Union soviétique devrait nous aider à identifier celui qui enrobe nos propres biens. L’hallucination collective des Soviétiques face à une cuisine équipée américaine, n’est pas moins prégnante que celle qui conditionne notre propre rapport aux biens de consommation. Et cela d’autant plus que nous sommes montés d’un cran de l’époque ou Jean Luc Godard fustigeait le caractère idéologique de la marchandise, dans Deux ou trois choses que je sais d’elle.

Aujourd’hui nous vivons greffés à des gadgets qui monopolisent et structurent, en plus de nos imaginaires, notre rapport au temps et à l’espace. L’emprise idéologique de nos nouveaux fétiches semble à même de conditionner l’existant dans son moindre recoin. Si l’engouement d’une jeune moscovite pour une paire de jeans s’arrête à l’image qu’elle se fait d’elle même, celui d’une adolescente lausannoise pour le tout dernier iphone s’avère plus à même de modeler sa vie. Son gadget ne sera pas juste un déguisement qu’elle portera le samedi soir, mais bel et bien un outil qui va structurera sa vie quotidienne, son rapport au savoir, au travail, à l’amour, au réel.
Ne plaignons donc pas les Soviétiques pour leur innocent aveuglément face à l’aura d’un tube de dentifrice. Plaignons plutôt les listes du père-noël des jeunes occidentaux qui virent au « tout numérique » dès l’âge de 8 ans, au point de générer une véritable crise existentielle dans l’industrie du jouet.

L’idéologie qui a eut raison de la société soviétique n’est pas celle de la doctrine officielle d’une morale collectiviste de la frugalité, du partage et de la solidarité. Non, l’idéologie qui aura gain de cause du socialisme existant est précisément celle qu’entretien la culture médiatique occidentale. Celle des printemps radieux cachés dans une boite de lessive.

L’exposition trouve sa forme la plus aboutie dans le catalogue conçu comme un véritable index d’objets, de mots et d’images. Elle se complète d’une série de projection et de débats qui font de ce centenaire le véritable événement culturel de l’année de la plus ouvrières des cités jurassiennes.

Plusieurs centaines de passagers, dans un TGV et sur les quais à Vallorbe, subissent les conséquences d’une grave avarie matérielle qui empêche le TGV 9261 parti à 7h57 de Paris d’arriver à Lausanne.
La situation est toujours en cours entre Frasne et Vallorbe. Le train endommagé circule actuellement sur une voie unique à une vitesse ne dépassant pas 30 km/h. Tel un ange benjaminien, Le conducteur s’arrête régulièrement pour s’assurer que la partie endommagée du train de détruit pas à son passage les capteurs de signaux sur la voie.

Faire tourner des infirmes sur des fauteuils roulants ; rire de la déambulation maladroite de danseurs trop gros, ou trop vieux pour correspondre à nos attentes chorégraphiques ; Se réjouir de solos approximatifs d’amateurs sortis in extremis de leur insignifiance ; rire d’actes manqués, de trébuchements involontaires. S’agit-il d’un théâtre cruel pour public malade de téléréalité ?

Les chorégraphies de Jérôme Bel mêlant professionnels, amateurs et handicapés pourraient facilement être qualifiées d’odieuses par quiconque n’y a jamais assisté, tant le récit de ce qui s’y passe sur scène préfigure le pire.
Il faut s’y être rendu ne serait ce qu’un fois pour comprendre à quel point le rire de la salle face au déhanchement maladroit des danseurs n’a rien de moqueur. Bien au contraire. Le public rit de joie. Il rit d’avoir été momentanément libéré d’une perception convenue du corps et de son potentiel scénique.
On rit  d’une pirouette réussie par quelqu’un que rien ne destinait à en faire une. On rit de ce bonheur qui vous prend face à un débordement. Car la scène déborde, cela va sans dire.
L’euphorie qui inonde la salle est une affirmation totale de la vie, comme peut l’être la danse quand elle sait théâtraliser la prise de risque.

Le risque de celui qui se lance sans aucune certitude sur son atterrissage. Le risque de l’acte de séduction, lancé sans la moindre garantie de trouver acquéreur. Le risque de l’amateur qui n’a rien de l’assurance de celui qui maîtrise les gestes et les enchainements. Cette audace des amateurs qui rejoignent à chaque étape les danseurs de la troupe constitue probablement le socle dramatique des spectacles de Bel.
Ce qu’ils accomplissent face à un public riant aux éclats, leur performance aux allures d’audition burlesque, porte discrètement la tristesse des espaces scéniques une fois le spectacle terminé. Ce spleen n’est en aucun cas de nature à gâcher la fête. Il permet juste à la joie ne pas s’engouffrer dans l’insignifiance. Les gestes manqués, mêmes hilarants, ont une gravité chez Bel.

Tel pourrait être finalement l’adage de ce théâtre dionysiaque : apprendre à lâcher prise. Jouir de voir quelqu’un prendre un risque et s’en sortir. Ne pas ricaner_ rire de plein coeur.

Gala est à voir au théâtre du Vidy, jusqu’au vendredi 3 février.